El Dolor reflejado en el Arte

octubre 5, 2021 Por Dr. José Luis Sánchez Mejía | Ortopedia y Traumatología Desactivado

Dado que la producción de obras artísticas se confunde de manera uniforme con otras grandes creaciones del pensamiento humano tampoco es extraño que el dolor, arte y misticismo se hayan presentado con un solo rostro para el desarrollo de la civilización.
Para desentrañar los misterios, griegos y romanos se sometieron a penitencias corporales antes de intentar el rito de la comunión con sus divinidades, con lo que el dolor alcanzó la jerarquía suficiente para suscitar en los fieles, experiencias místicas. Los primeros cristianos, entendieron, como misión, continuar, vencer al pecado, al dolor de todos ellos y salvar al mundo.

San Juan de la Cruz escribe: El alma enamorada es un alma crucificada en la que, con frecuencia, es suficiente la inquebrantable confianza, como escribe el Santo a una señora atribulada: “Conviene que no nos falte cruz como a nuestro amado hasta la muerte de amor. Él ordena nuestras pasiones en el amor de lo que más queremos, para que mayores sacrificios hagamos y más valgamos. Mas todo es breve, que todo es hasta el alzar el cuchillo y luego se queda Isaac vivo, con promesa del hijo multiplicado”.
No puede sorprendernos -como aleccionadora anécdota- aquel sustancioso diálogo de Segovia donde queda reflejado en su hermosa interioridad. Cuando el Señor le pregunta qué quiere, en recompensa por sus servicios, Juan responde sin titubear: Padecer y ser menospreciado por Vos.
Se trata de un requisito esencialmente necesario al alma enamorada: ciertamente, sin el “dolor-sufrimiento”, su amor sería una vana quimera.

Es preciso recordar que, a propósito del dolor, como cualquier otra prueba, “lo divino humaniza a los santos”. En el presente trabajo, intentamos hablar del aspecto religioso, teológico, místico y de las facetas humanas, psicológicas o científicas puesto que toda la vida existe dolor.
El Éxtasis de Santa Teresa también conocido como la Transverberación de Santa Teresa (en italiano: L’Estasi di Santa Teresa o Santa Teresa in estasi o Transverberazione di santa Teresa) es un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini, de estilo barroco. El éxtasis de Santa Teresa, está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano. Retrata la imagen de Santa Teresa de Ávila durante el don místico de la transverberación que describe en su Libro de la Vida.
“Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento” (Vida 29,13)”
La escena recoge el momento en que un ángel traspasa el corazón de la santa con una flecha. Hay que subrayar aquí la fuerte expresividad de la obra: el pie izquierdo de la santa pende de la nube sobre la cual descansa el cuerpo distorsionado, mientras la cara revela sentimientos interiores complejos: dolor y gozo asumidos en su plenitud y, finalmente, el oleaje de la ropa traduce exteriormente, el caos interior.

Recordemos que etimológicamente éxtasis, significa una salida del yo, es una pérdida de la continuidad del ser, en cierta forma una desintegración provisional de la identidad. la escultura representa a la santa en el momento de placer máximo – y de dolor – que Dios le otorgó.

“La Piedad de Miguel Ángel”
En la escultura Piedad del Vaticano, Miguel Ángel puso de manifiesto la influencia de la filosofía neoplatónica y de la estética clásica. Tal influencia se plasma al hacer que la Virgen María y Jesucristo expresen serenidad y equilibrio, así como una aparente ausencia de sufrimiento.
En la escultura de Miguel Ángel, María no es el despojo de un alma sufriente. María no consiente convertirse en víctima ni cuestiona su fe. Por el contrario, “carga” con su realidad, acompaña a su hijo, contempla el misterio incomprensible del martirio.
Ciertamente, María es la protagonista de la composición, pues el cuerpo apagado de Jesús conduce la atención a ella. El cuerpo de María, su apariencia física, es a su vez imagen del estado de su alma que permanece erguida.
De hecho, el rostro extremadamente joven de la Virgen María fue justificado por Miguel Ángel como una forma de simbolizar su eterna virginidad. Para Miguel Ángel, esto no era extraño. El artista pensaba genuinamente que las personas que se consagraban a Dios en cuerpo y alma eran eternamente “jóvenes”.

Es un estudio complicado del amor, pues su relato no expone a dos amantes, sino a una madre y su hijo, el escultor traslada al mármol una mirada distinta sobre tener el corazón roto; el dolor indecible de perder al hijo, de soledad. En donde los protagonistas sólo son las víctimas de la circunstancia.

“La Columna Rota”
La Columna Rota de Frida Kahlo muestra el dolor y la incapacidad para moverse, además del dolor de la soledad. aunque el cuadro es obviamente un reflejo de su estado emocional y físico en ese momento, también lleva un mensaje muy especial.
Las muestras de sufrimiento físico, son los clavos que lleva en múltiples zonas de su cuerpo, el más grande en la zona del corazón, todo el cuerpo partido por la frustración que le produce el no poder concebir hijos. Se trata de un autorretrato de Frida Kahlo con un aparato ortopédico de metal que muestra una columna jónica rota, en lugar de la columna vertebral, lleva un corsé que arma la figura que de otra forma se desmoronaría.
Su mirada está llena de tristeza y unas lágrimas corren por su rostro. Este autorretrato es sumamente diferente a otros de la época, mucho más coloridos y rodeados de flores y animales. En este lienzo solo aparecen dos palomas en sus pupilas, símbolo de la esperanza entre tanto dolor o una ironía de Frida sobre su destino. Rodeada de barrancos y una aridez extrema semeja su alma y su vida, al extremo opuesto se ve la franja de un mar azul tranquilo y nubes que pasan, pero están tan lejos de lla que es imposible alcanzarlos.

“La muerte de Atala” de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. 1808.
La recreación de Girodet en la belleza del cadáver de Atala es un lejano presagio del gusto por lo mórbido que desarrollará la pintura simbolista. Basada en una historia de Chateaubriand, esta obra es un buen ejemplo de cómo Girodet traduce las fantasías de sus lecturas a imágenes pictóricas
Nos muestra a la princesa Atala virginal, mártir por su convicción cristiana, frente a las creencias paganas de los suyos. El cuerpo de Atala, violentamente iluminado, contrasta con la oscuridad del interior de la gruta y nos invita a salir rápidamente al exterior, donde otro foco de luz ilumina la cruz, emblema de la muerte y de la resurrección.

“El Venado Herido”
El Venado Herido es un cuadro pintado por Frida Kahlo en 1946. el mismo representa un venado con la cara de Frida mirando al frente, que tiene clavadas nueve flechas en su cuerpo sangrante. en el horizonte se observa una especie de mar cubierto por un cielo tormentoso.
Mediante El venado herido, Kahlo comparte con su público el dolor físico y sufrimiento emocional por el que pasaba, como también lo hacia a través de su obra maestra creativa. Este cuadro en particular fue pintado cuando a Kahlo le quedaban poco más de ocho años de vida y su salud había sufrido un nuevo revés. En junio de 1946 fue sometida a una de tantas cirugías de columna lumbar en la ciudad de Nueva York. Los estudiosos médicos del cuadro consideran que las nueves flechas que se ven laceran su cuerpo, muestran puntos gatillo que pudieran corresponder a una patología llamada ahora fibromialgia.

“Laocoonte”
El Laocoonte es uno de los conjuntos escultóricos más impresionantes de toda la historia del arte universal. Para disuadir a Príamo, el sacerdote troyano de Apolo propuso sacrificar un toro a los dioses, en la esperanza de que el caballo fuera calcinado. Sin embargo, los dioses ansiaban la destrucción de Troya y enviaron dos grandes serpientes marinas que acabaron con la vida de Laocoonte y sus hijos. El conjunto representa a Laocoonte, en el momento de ser devorado por dos grandes serpientes marinas. representa la cólera de los dioses y los castigos crueles que éstos pueden poner a los pobres mortales.
En este caso, el sacerdote troyano, es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el caballo de Troya como regalo de los griegos. Poco después, dos serpientes gigantes (Porkes y Chariboia) vinieron del mar, por la orden que les había dado la diosa Atenea. Las serpientes apresaron a los dos hijos gemelos de Laocoonte, Antifas y Tymbraios. Cuando el padre quería salvarlos, las serpientes le tiraron al mar y le ahogaron. Los troyanos lo entendieron fatalmente como una señal divina; por eso no creían ni en el aviso de Laocoonte ni en el de Casandra, y llevaron el caballo de madera a la ciudad Las serpientes se enroscaron en el cuerpo de sus hijos y Laocoonte luchó por soltarlas, pero le fue imposible, lo estrangularon a él y a los niños. El rostro de Laacoonte refleja el dolor tan impresionante

“Romeo y Julieta”
Romeo, creyendo muerta a su enamorada, compra un veneno mortal y va a la cripta de los Capuleto, a donde han llevado a Julieta. Allí se encuentra con Paris, a quien mata; luego toma el veneno y también muere. Al despertar Julieta y ver los dos cadáveres, decide suicidarse con la daga de Romeo.
La representación, sobre la obra de Shakespeare; ese momento exacto e intermedio en el que Julieta empuña la daga del cadáver de Romeo, y se suicida. Él debió pensar lo mismo al ver el cuerpo de su amada en una tumba. La maestría de este artista se hace notoria al congelar este preciso segundo de muerte trágica.

“El Grito”
El pintor noruego Edvard Munch (1863-1944) sabemos que le robó el grito al gran silencio. “Enfermedad, locura y muerte fueron los ángeles que rondaron mi cuna”. El joven aprendiz de pintor y ser hijo de un padre extremista religioso (tenía un carácter sumamente nervioso, era psiconeurótico). “De él heredé la semilla de la maldad, el miedo, la pena y la muerte que estuvieron a mi lado desde el día que nací”.
Todos podemos sentirnos identificados con su mensaje: el humano moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. Es un mensaje universal, que trasciende de sexos, razas y nacionalidades. Por ello “El grito” es considerado uno de los cuadros más importantes de la historia del arte.
Munch se inspiró en su propia vida atormentada, una tragedia sobre un padre severo, una madre muerta y unas hermanas enfermas, trastornos bipolares y depresión, alcohol y armas de fuego. El propio Munch nos cuenta de donde surgió la idea en su diario de 1892:
“Paseaba por un sendero con dos amigos – el sol se puso – de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio – sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad – mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza”.

“La Niña Enferma”
“Con La niña enferma abrí caminos nuevos para mi, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro”. E.M.
Sin embargo, en este cuadro de Munch, se puede observar a Sophie, la pequeña hermana del pintor, quien lamentablemente muere de tuberculosis a los 15 años de edad. Lo más notable del cuadro es como Edvard ilustra a su pequeña hermana, pálida y enferma, pero con una mirada que transmite tranquilidad.
Es su tía quien mira al suelo y apoya su cabeza en la almohada, y quien sujeta la mano pálida. El contacto de piel con piel como expresión de (des)consuelo y de acompañamiento (en silencio). Podemos intuir la tristeza y el dolor ante un inminente e inevitable final: el de la muerte de la joven. La muerte es protagonista omnipresente en la vida, delimita el tiempo y nos invita a no dejar escapar la experiencia sobre las cosas esenciales. Las expresiones retratadas pueden mostrar que la brevedad de lo vivido zarandea esa secuencia coherente esperada o imaginada: la vida de niña, de joven, de adulta, de anciana.

Auguste Renoir:
Su artritis reumatoide –debió de iniciarse hacia 1892, cuando el pintor estaba alrededor de los cincuenta años, se volvió más agresiva en la década siguiente y durante los últimos años de su vida lo dejó prácticamente inválido. El dolor y la inflamación articular fueron sus acompañantes hasta su muerte.
En esa época, tenía que desplazarse en silla de ruedas y “la naturaleza agresiva de la enfermedad” le ocasionó la destrucción y la inmovilidad del hombro derecho y la ruptura de varios tendones en dedos y muñecas que le llevó a una casi inmovilidad de sus manos. Pese a estas deformidades, continuó liando sus cigarrillos y, según su nieto, produjo más de 400 pinturas”. murió en 1919, antes había terminado su último cuadro “Las Bañistas”. Sin embargo, ni su artritis, que lo llevó a instalarse en la Provenza en busca de un clima más cálido (fue operado en 1910 de las dos rodillas, una mano y un pie), ni el alistamiento de sus hijos Pierre y Jean durante la Primera Guerra Mundial, ni incluso la muerte de su esposa en 1915, lograron disminuir su entusiasmo por la pintura.

Vincent Willem van Gogh
Nació en 1853 y creció en Holanda. Fue criado en una familia religiosa con su padre siendo un ministro. Cuando terminó sus estudios, Vincent siguió la profesión de su tío y se convirtió en un comerciante de arte aprendiendo el comercio en Holanda y luego trabajando en Inglaterra y Francia
Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó unos 900 cuadros y realizó más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada.
Según los historiadores, van Gogh, la noche del 23 de diciembre de 1888, en la ciudad de Arles, se habría tornado muy violento cuando Paul Gauguin le comunicó su decisión de dejarlo, van Gogh le amenazó y persiguió con una navaja, y por la noche el holandés se auto-mutiló el lóbulo de la oreja izquierda; van Gogh sufría además de epilepsia, depresión, ataques psicóticos y era bipolar. Sufrimiento y dolor, siempre van juntos.
La versión de los investigadores alemanes Hans Kaufmann y Rita Wildegans en su libro “Pacto de silencio” afirma que van Gogh inventó una historia falsa para encubrir a su amigo Gauguin, y que la verdad es que Gauguin habría cortado el lóbulo del holandés con un golpe de espada durante una acalorada discusión; van Gogh encolerizó cuando Gauguin le comunicó su decisión de dejarlo para siempre (los artistas vivían juntos), por lo que el francés se había defendido y en el intento de “deshacerse del loco” le habría asestado un golpe de espalda, cortando parte de la oreja izquierda de van Gogh. De este cuadro existen dos versiones: una con pipa en tonos rojizos y otra sin pipa en tonos verdosos. en ambas, vemos un van Gogh herido con un gesto poco expresivo, sereno –incluso se pinta fumando–. aunque muchos esperarían algo perturbador de esta escena, para van Gogh es simplemente una excusa más para pintar. No podemos negar que este cuadro es testigo de uno de los eventos más traumáticos de la historia del arte.

“El arte más poderoso de la vida, es hacer del dolor un talismán que cura”. Frida Kahlo.
Pablo Ruiz Picasso
(n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 – f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

“La mujer llorando”.
Esta mujer llora porque el 26 de abril de 1937, vio como su pueblo era arrasado, y con las vidas de decenas de hombres y mujeres, de mayores y de niños. Sin pudor, sin vergüenza, sin avisar, sin motivo alguno. Es una secuela, no sólo del estado emotivo del pintor, sino también de lo que vio en Guernica.
Es la hiriente imagen de una mujer con un pañoleta cubriéndole la cabeza que llora al mismo tiempo que muerde con furia un pañuelo. Es el símbolo de la mater dolorosa laica al modo de la iconografía religiosa de esta catástrofe, que supuso la guerra civil española. A esta madre a la que mataron a su hijo, a esta esposa a la que asesinaron a su marido, a esta hija a la que dejaron huérfana.

“Guernica”
Pintado entre los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la guerra civil española. Piedad y terror, que se ve en la visión de Picasso de la guerra moderna, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras y se centra en las raíces imaginarias de la imponente pintura.
“La pintura no está para decorar apartamentos, el arte es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo. La guerra de España es la batalla de la reacción contra el pueblo, contra la libertad. En la pintura mural en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en todas mis últimas obras, expreso claramente mi repulsión hacia la casta militar, que ha sumido a España en un océano de dolor y muerte”. Pablo Picasso, 1937.

“Un agujero a la locura”
Mucho antes del surgimiento de la psiquiatría y la psicoterapia, existía un tratamiento para las enfermedades mentales. un agujero en la cabeza a aquellas personas a quienes se catalogaba como enfermos mentales se les realizaba la trepanación. Consistía en abrir un agujero en el cráneo para eliminar bultos que se podían producir por la acumulación de piedras minerales, similar a lo que ocurre con un cálculo biliar. Mediante la extracción se creía que no solo se acababan las dolencias mentales, sino que también se eliminaba el rastro de todo mal.

El Bosco, también conocido como Hieronymus o Jerónimo Bosch, fue un pintor flamenco entre el gótico tardío y el renacimiento nórdico. que también pinto este método quirúrgico. Se trata de La extracción de la piedra de la locura, un óleo fechado a principios del siglo XVI que supone un antes y un después en la historia de la pintura. “Este cuadro fue de los primeros en contar una historia, una narración popular con personajes comunes que se salen de lo religioso y lo mitológico”

“El sacamuelas”
La escena pintada por Theodoor Rombouts es bastante similar. ¿Y qué opinan del collar de muelas del dentista? a falta de diplomas para certificar su valía, los sacamuelas lucían este tipo de collares como muestra de su buen hacer. Con esa sonrisa en su cara. Este complemento, a la par que elegancia, deja ver el buen hacer del torturador en este horripilante oficio. La mesa en la que ha desplegado su instrumental está llena de dientes, por lo que deducimos que debe llevar un buen rato trabajando. Hasta Quevedo lo consideraba el oficio más maldito del mundo.

El tema de “Judith decapitando a Holofernes” es uno de los episodios del Antiguo Testamento que con más frecuencia se ha representado en la historia del arte. Jamás se ha logrado representar una escena tan cruda y dramática como la que pinta en esta tela Artemisia Gentileschi. La heroína bíblica, junto a su doncella, se interna en el campo enemigo, seduce y luego decapita a Holofernes, el feroz general enemigo.

Egipto
Un sacerdote egipcio llamado Rom realiza una ofrenda; su incapacidad para apoyarse adecuadamente en su miembro pélvico izquierdo (cojera) podría ser el más antiguo testimonio de la poliomielitis. Esta es la copia de la estela fechada hacia 1403-1365 a.C. En donde podemos ver que se apoya en una especie de bastón largo sostenido por el brazo izquierdo, en la mano izquierda lleva una copa rebosante de una masa que sale del recipiente, con la mano derecha lleva una especie de espada curvada.

“Mártir del fanatismo”.
Pintura del artista portugués José de Brito realizada alrededor de 1895, Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, Museo de Chiado en Lisboa, Portugal; que muestra a una mujer siendo torturada por la Inquisición. Aunque el dolor ha estado presente en todas las culturas, su interpretación, así como la actitud del hombre frente a él, estuvo muy influenciada por el pensamiento místico y el fanatismo religioso hasta el siglo XIX, cuando se empezó a fundamentar el saber científico del mismo.

Más o menos en 1632, José de Ribera, pintor exquisito de la pintura barroca europea pintaba este monumental cuadro Actualmente en el Museo del Prado, Madrid, España.
Ticio, en la genealogía mitológica, es un gigante hijo de Zeus que fue castigado por su propio padre para vengar el intento de violación por parte de éste a Leto, una de las amantes de Zeus. En realidad, siguiendo el hilo conductor de las diversas versiones del mito, Ticio intentó abusar de la amante porque fue instigado por Hera, la esposa de Zeus, para vengarse en un arranque de celos del engaño de su marido.
Ticio sería condenado a pasar el resto de la eternidad en el Tártaro, atado a una roca, donde un buitre devoraría sus entrañas infinitamente.

“Santa Águeda”
Catania, la segunda ciudad más grande de Sicilia, no era el mejor sitio para que un cristiano fijara su residencia en pleno siglo III. Los romanos perseguían a todos aquellos que rezaran a Jesús en su lucha por frenar el cristianismo. En ese contexto de enfrentamiento, una joven virgen siciliana llamada Águeda de Catania decide entregar su “honra” a Jesucristo. La joven niña no contaba con que el procónsul Quintianus se iba a encaprichar con ella. La negativa de la joven enfureció al dirigente, que la envió a un lupanar regentado por una tal Afrodisia. Milagrosamente conservó su virginidad, lo que enojó aún más al procónsul, que ordenó que la torturaran y le cortaran los senos. En otro cuadro se dibuja a San Pedro curando a la joven, pero no sirvió de nada porque Quintianus, ordenó seguir torturándola, desoyendo las súplicas de Águeda: “Cruel tirano, ¿No te da vergüenza torturar a una mujer el mismo seno con el que de niño de alimentaste”, le dijo; pero el procónsul, carecía de vergüenza y de humanidad, y ordena que la arrojen sobre carbones en rojo vivo y la arrastren por las calles de toda Catania. La muerte pone fin a la agonía de la virgen.

“San Roque y el gusano de guinea”.
En una pintura medieval, un gusano de guinea puede ser visto arrastrándose fuera del muslo de san Roque, un peregrino francés del siglo 14. Roque nació en Montpelier a mediados del siglo XIV en el seno de una familia noble, pero quedó huérfano a una temprana edad y decidió entregar su fortuna a hospitales y personas necesitadas para dedicarse enteramente a la peregrinación. Su primer destino fue Roma, iniciando la marcha por la vieja ruta de la Toscana. De camino se encontró con la peste en Acquapendente (Lazio), donde paró para cuidar de los enfermos. Cuando la plaga disminuyó y se disponía a seguir con su viaje, supo que un nuevo brote había surgido en Cesena (Emilia Romaña). Después de ayudar allí marchó a Rímini para llegar finalmente a Roma, donde se encontró una ciudad sin papa, vacía, en silencio y devastada por la enfermedad. Después tres años en Roma decidió volver a su ciudad natal, pero empezó a notar él mismo los síntomas de la peste en Piacenza. Una noche, un ángel le anunció que había llegado su hora, y dando gracias a Dios, decidió recluirse en un bosque donde morir sin contagiar a nadie. Allí estuvo sobreviviendo gracias a un perro que lo visitaba todos los días con una hogaza de pan y le lamía las heridas, hasta que un día el amo del perro, Gottardo Pallastrelli, extrañado por el comportamiento del can, acompañó a este y descubrió a san Roque. El hombre lo recogió, lo curó y se convirtió en discípulo suyo. Un ángel enviado por Dios le asistió y curó de forma definitiva tiempo después. Restablecido, intentó dirigirse de nuevo a su ciudad natal, pero en Vhogera (Lombardía) fue encarcelado acusado de espionaje y murió cinco años después en la celda. Su cuerpo inerte empezó a resplandecer y llamar la atención de los guardas que, al ver una cédula que portaba, descubrieron que era sobrino del gobernador de la fortaleza. Fue enterrado con solemnidad a los treinta y dos años sin familia, sin fortuna, sin obra y renegado por los suyos, sin haber hecho otra cosa que dedicarse a los demás, convirtiéndose su tumba en centro de veneración y comenzando su culto inmediatamente.

Cifosis en la pintura de Francisco de Goya
La tuberculosis es una enfermedad antigua y su período de mayor extensión (por porcentaje de población afectada) transcurrió entre los últimos años del siglo XVIII y los últimos del XIX, justamente durante la vida de Francisco Goya. Por lo tanto, es posible que alguna de las mujeres representadas en estos dibujos estuviera afectada por el mal de Pott. (tuberculosis vertebral). Y por consiguiente de la cifosis (joroba) algunos la escriben como xifosis.
Aproximadamente 1-2% de los casos de tuberculosis son imputables al mal de Pott. Casi todos los pacientes con mal de Pott presentan algún grado de cifosis y 3% de los casos de tuberculosis de la espina desarrollan una deformidad cifótica grave. No obstante, este riesgo se limita usualmente a aquellos que tuvieran la enfermedad con menos de diez años.
En esta una de sus obras más reconocidas, se pone de manifiesto la cifosis vertebral. El capricho “El Chitón” (1799).

Reducción de una luxación, -en el “Traité Médical” de Ambroise Paré, hacia 1560.
Ambroise Paré. Nació en Bourg-Hersent, Laval, en 1510. Fue aprendiz del barbero de su pueblo.
En 1532 se traslada a París, trabajando como simple barbero mientras amplia sus conocimientos de cirugía. Fue cirujano militar en el ejército francés y su trabajo le hizo acreedor al cargo de cirujano del rey Enrique II, Francisco II, Carlos IX y Enrique III. Fue el introductor de la utilización de ligaduras en las arterias para prevenir la hemorragia, repudió la práctica de cauterizar las heridas con aceite hirviendo y promovió el uso de extremidades artificiales. Sin una educación formal, fue el primer cirujano que describió su trabajo técnico en su lengua materna el francés en vez de en latín.
“La cirugía tiene cinco cometidos: eliminar lo superfluo, restaurar lo que ha sido dislocado, separar lo unido, unir lo separado y modificar lo que la naturaleza ha deformado”. Fue el francés Ambroise Paré quien estableció que esas debían ser las bases de dicha práctica médica. Esta teoría, pero sobre todo sus aportes en el campo, llevaron a este hombre del Renacimiento, de origen humilde y limitada educación, a dejar de ser barbero y convertirse en médico de reyes. Pero por encima de todo logró transformar su profesión en la disciplina puntera que es hoy, ajustándola a los avances científicos y a una visión humanista a la hora de tratar a sus pacientes.
“La niña enferma” (en neerlandés, Het zieke kind), del holandés Gabriël Metsu.
Se trata de una óleo sobre lienzo, que mide 32,2 cm de alto y 27,2 cm de ancho. Fue pintado hacia el año 1660 y se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos). Se trata de una escena de género protagonizada, por una madre que cuida de su hija enferma. Este cuadro evidencia el amor o cuidado por los niños, incluso en una época de alta mortalidad infantil como era aquella. Los signos de enfermedad son evidentes en la pequeña: está delgada, floja y sin ánimo, muy pálida y con ojeras.

“La muerte de Aquiles”
Aquiles fue el más grande héroe que participó en la Guerra de Troya, narrada en la Ilíada de Homero. Aquiles era hijo de Peleo, uno de los legendarios argonautas, y de Tetis, una ninfa del mar (también conocida como Nereida). Puesto que el origen de Aquiles era en parte divino, se dice que la totalidad de su cuerpo era invulnerable a las armas de los hombres; exceptuando su talón, el cual era su único punto débil, donde se dice que fue herido de muerte por el arco de París, príncipe de Ilión (también conocida como Troya). No obstante sus fortalezas y su origen divino por parte de sus padres, Aquiles era un hombre y por tanto, mortal.

“La rue Transnonain”
Honoré Daumier (Marsella, 26 de febrero de 1808 – Valmondois, 10 de febrero de 1879) fue un caricaturista, pintor, ilustrador, grabador, dibujante y escultor francés de la época realista.
Sus pinturas reflejan el interés de Daumier por la vulnerabilidad de los seres humanos cercanos a la marginalidad social. En Lyon, el 9 de abril de 1834, tuvo lugar una manifestación organizada por la Sociedad de Derechos Humanos y el consejo ejecutivo de las mutuas de trabajadores, en particular a raíz del llamado de Armand Carrel en el diario Nacional a “responder a la suspensión de la legalidad por la suspensión del orden público” . Esta manifestación provocó disturbios, que se extendieron a París el13 de abril. Como reacción, el gobierno reprimió el movimiento con mucha dureza.
El 14 de abril , cerca de una barricada en la rue Transnonain, un capitán de infantería aparentemente resultó herido por un disparo desde una ventana. En represalia, doce (de los cincuenta) ocupantes del edificio desde el que presuntamente se utilizó el tiroteo fueron masacrados por los soldados. Los otros ocupantes también fueron agredidos, cuatro de ellos de gravedad. Honoré Daumier crea una litografía (el arte de reproducir mediante la impresión de dibujos dibujados con una sustancia grasa en una piedra caliza) que resulta ser una de las obras maestras de Daumier, a menudo considerada como una de las primeras manifestaciones del realismo. Este grabado es una de las principales obras de la historia del grabado (imagen impresa mediante plancha grabada o mediante litografía / grabado) del siglo XIX. Daumier demostró tanto el poder de su estilo como sus convicciones políticas denunciando la represión policial. Los ocupantes del número 12 de la rue Transnonain, cuya casa estaba ubicada junto a una barricada, fueron masacrados indistintamente por un disparo que se había realizado desde uno de los pisos en dirección a un oficial: los soldados entraron en la casa y mataron a doce habitantes. e hirieron a muchos otros (hombres, ancianos, mujeres, niños).

“Las Tres Gracias”
1630 – 1635. Óleo sobre tabla de madera de roble, 220,5 x 182 cm. Museo del Prado. Madrid, España. Existen otras obras llamadas igual pero realizadas por otros pintores.
El pintor flamenco Pedro Pablo Rubens representó en esta pintura a las tres hijas de Zeus y Eurínome. Fueron las Cárites, más familiares según la traducción latina de su nombre, son Las tres Gracias.
Sitúa a las Gracias en un primerísimo plano que destaca la morbidez de sus cuerpos desnudos y luminosos al verlas, su voluptuosidad, es lo que salta a la vista:
Eran Áglae (“resplandor”), Eufrósine (“placer y alegría”) y Talía (“la que lleva flores”). Personificaban el encanto, la alegría y la belleza, en todos los órdenes físicos y espirituales. Pero si se fijan bien vamos a encontrar por lo menos tres patologías.
La Gracia de la derecha presenta una ulceración de su mama izquierda así como un enrojecimiento, un pezón retraído y unos pliegues en la axila que indica un cáncer de mama ya avanzado con afectación ganglionar.
La Gracia de la izquierda, más concretamente su mano derecha deformada a consecuencia de la inflamación de las articulaciones por una artritis reumatoide. y en la Gracia de espaldas, podemos ver una escoliosis derecha, con probablemente un acortamiento de miembro pélvico izquierdo. Quizá podamos decir ahora que las tres tenían un problema médico a cual más importante por lo que serían considerada hoy Las tres Des-gracias.

Artritis reumatoide.
Pedro Pablo Rubens en un autorretrato, y otros pintores de origen flamenco, al inicio del barroco, demuestran la presencia de la Artritis Reumatoide (AR). Al parecer Rubens padeció de la enfermedad y no de gota, como era la denominación de algún problema reumático en los siglos XVI y XVII.
Juan IV duque de Bravante, presenta deformaciones en cuello de cisne y en botonera de los dedos de la mano derecha.
“Los donadores”, pintada en 1525 y 1530 por Jean Gossaert se observan rasgos que semejan AR al igual que en
“El pintor y su familia de Jacob Jordaens” (1593-1678) sobre todo las manos de la criada que presenta datos de AR.
En el portarretrato de Siebrandus Sixtius, se observa el compromiso de las articulaciones metacarpofalángicas e interfalángicas proximales, la desviación cubital y las contracturas en flexión características de la AR.

“El Calvario” de Rogier van der Weyden – 1436.
Procedente del Monasterio de San Lorenzo del Escorial, es una de las obras más impresionantes y originales del pintor por la grandeza y expresividad de sus figuras en una composición de extremada sencillez. Además, se trata de una de las escasas obras del pintor autentificada documentalmente desde que fue donada por el propio artista a la Cartuja de Scheut en Bruselas, su ubicación original. A veces conocido como Rogier de la Pasture, fue un pintor primitivo flamenco que destacó por su sorprendente minuciosidad y detallismo, además de su audacia compositiva y fuerza estética. Con 35 años es nombrado pintor oficial de la ciudad de Bruselas.

Adriaen Brouwer fue un pintor flamenco activo en la república holandesa en la primera mitad del siglo XVII. Muere en Ámsterdam a los 33 años durante la epidemia de peste en 1638. fue un importante innovador de la pintura de género a través de sus representaciones vivas.
En The Back Operation, el espectador ve a un joven que hace una mueca de dolor cuando el cirujano abre la carne de su espalda para eliminar lo que se puede suponer que fue una infección de la piel o un furúnculo. Las infecciones de la piel eran comunes en el pasado, especialmente durante este período debido a la falta de higiene, y se encontraban comúnmente en la espalda, donde estaba expuesta a la fricción, el sudor y la irritación regulares.
Es probable que el hombre operado haya tomado algunas rondas de cerveza para adormecer su dolor. El “quirófano” contiene las herramientas más básicas que se utilizaron en la vida cotidiana. Sobre la mesa hay unas ruedas de algodón disponibles para coser la herida, un poco de alcohol para desinfectar, un cuchillo de corte fino y una lupa sostenida por la mujer o “enfermera”.

Amputación de pierna (1517) Hans Wechtlin (1480-1526), fue un grabador alemán discípulo de Hans Holbein el viejo.
La obra que se muestra, ilustra la técnica de amputación de urgencia en el tercio medio de la pierna, según el criterio de los cirujanos del siglo XVI. Imagen del libro “Feldtbuch Der Wundartzney” de Hans von Gersdorff publicado en 1517 en donde se ve aun cirujano y su ayudante realizando una amputación y de pie está un paciente con un muñón de amputación cubierto por una vejiga.

“Cronos comiéndose a sus hijos”
Tanto Cronos como Rea eran Titanes, Cronos controlaba el tiempo, Rea la tierra. ambos habían concebido varios hijos, Cronos supo de Gea (su madre) que estaba destinado a ser derrocado por uno de sus propios hijos, como él había derrotado a su padre. Por ello, aunque fue padre con Rea de los dioses Hestia, Deméter, Hera, Hades y Poseidón, se los tragaba tan pronto como nacían. Cuando iba a nacer su sexto hijo, Zeus, Rea pidió a Gea que pensara un plan para salvarlos y que así finalmente Cronos tuviese el justo castigo a sus actos contra su padre y sus propios hijos. Rea dio a luz en secreto a Zeus en la isla de Creta y entregó a Cronos una piedra envuelta en pañales, también conocida como Ónfalos, que éste tragó enseguida sin desconfiar creyendo que era su hijo.
Cuando hubo crecido, Zeus usó un veneno que le dio Metis para obligar a Cronos a regurgitar el contenido de su estómago en orden inverso: primero la piedra, que se la dejó a Pitón bajo las cañadas del Parnaso como señal a los hombres mortales, y después al resto de sus hermanos.
Tras liberar a sus hermanos, Zeus liberó del Tártaro a los Hecatónquiros y los Cíclopes. Estos últimos forjaron para él su rayo, el tridente para Poseidón y el casco de invisibilidad para Hades. En una gran guerra llamada la Titanomaquia, Zeus y sus hermanos y hermanas derrocaron, con la ayuda de los Hecatónquiros, los Cíclopes y otras deidades, a Cronos y a los otros Titanes. Tras esto, muchos de ellos fueron encerrados en el Tártaro, si bien otros no. Cronos fue acompañado hasta su prisión por Jano. Más tarde, Cronos fue luego liberado por voluntad de Zeus, y entonces decidió que fuera rey de los Campos Elíseos.

“Lamento por Ícaro”, de Herbert James Draper. artista británico. 1898. Tate Gallery, Londres. Reino Unido
Esta forma de pintar la muerte de Ícaro es de una grandísima belleza. la muerte resulta trágica pero melancólica y bella. su personaje principal es extraordinario y está rodeado de otras tantas bellezas, con el mar de fondo. Esta pintura muestra a Ícaro de la mitología griega. rodeado por ninfas del mar. su padre, el artesano Dédalo, había hecho unas alas de cera para que él y su hijo pudieran escapar de la isla de creta. pero, superado por el orgullo, Ícaro vuela demasiado cerca al sol, la cera se derrite y se sumerge a su muerte.

“Llorando al Cristo muerto”, pintado en 1604 por Annibale Carracci. Actualmente se encuentra en la National Gallery, Londres.
En sus composiciones religiosas o mitológicas se expresa con una serenidad que hace revivir los modelos clásicos del renacimiento pero dotándolos de una grandiosidad que anuncia el barroco pleno. También en la técnica del óleo se muestra libre a la manera veneciana, usando a veces el pincel con extrema soltura.
Esta imagen muestra sólo las mujeres dolientes. Cristo descansa en el regazo de la virgen. María Magdalena es la figura arrodillada a la derecha. aparte de la virgen, las otras mujeres alrededor son la madre de Jacobo y María Salomé. pintado alrededor de 1603, este es uno de trabajos de gran alcance y carga emocional del pintor.

“Herida de Eneas”
Pintura mural procedente de la Casa de Publius Vedius Siricus, Pompeya. Siglo I d.C.). Museo Nacional Arqueología Nápoles, Nápoles. Italia.
La pintura mural nos ofrece una representación de Eneas herido que está siendo curado por el médico Yépige en presencia de la diosa Venus (su mamá).
La cirugía fue la especialidad que más se desarrolló por parte de los médicos de las legiones romanas, junto con todo lo que se relacionaba con traumatismos y heridas de guerra, debido a las continuas campañas bélicas de los romanos.
Sin embargo, en el mundo romano, ya plenamente inmerso en el pensamiento lógico, persistían muchas leyendas de pensamiento mítico, como la curación de los males por intercesión divina. Así lo podemos ver si continuamos leyendo la versión que nos da la Eneida:
“Entonces la madre Venus, conmovida por aquel dolor inmerecido de su hijo, recogió de Ida de Creta el díctamo, un tallo cubierto por hojas vellosas […]. Venus lo trajo, cubriéndose el rostro con una oscura nube, e impregnó con él, el agua que estaba contenida en un recipiente esplendoroso, convirtiéndola secretamente en medicinal, rociándola con jugo de salutífera ambrosía y de olorosa panacea.
El viejo Yépige, sin saberlo, restañó la herida con aquel agua y súbitamente desapareció de su cuerpo, como era de esperar, todo dolor y la herida dejó de verter sangre. Y entonces la saeta se desprendió siguiendo la mano, sin hacer fuerza alguna, y con renovadas energías volvieron a él como antes de herirlo.”
Yépige (Eneida, XII, 383-424)

El Dolor
El término dolor, derivado del latín -oris-, define dos conceptos diferentes, primero se refiere a una «sensación molesta de una parte del cuerpo», es decir, se trata de un dolor físico. En segundo lugar, puede expresar también un sentimiento de pena y congoja, así como el “pesar y arrepentimiento de haber hecho u omitido una cosa”, de manera que se convierte en una aflicción o sufrimiento interno. El dolor es uno de los temas más fecundos, pues el ser humano, artista o no, en algún momento de su vida ha conocido de cerca o de lejos el dolor, y si es artista indiscutiblemente repercutirá en su obra, en su explicación personal o como un motivo más de su capacidad para explicar algún tipo de dolor vivido. Por lo anterior, cabe preguntarnos: ¿Qué es el dolor humano? Los seres humanos integramos el dolor como una experiencia biológica en la que se agregan las esferas psicológica y social, para integrar la idea del mismo como pérdida de bienestar. ¿Será lo mismo el dolor del cuerpo que el dolor del alma? El objetivo en este trabajo, es mostrar la expresión artística del dolor a través de la pintura o escultura, como percepción del hombre que lo padece.
Como habrán visto, el dolor aparece en todas las expresiones del arte, y queda como mudo testigo de algo que sufrieron los personajes que lo padecieron.
Queda pues decir que debemos como médicos ser más perceptivos al dolor y tratar de aliviarlo, aunque no podamos curarlo por completo.

La definición clásica del dolor desde 1978 de la IASP (Asociación Internacional para el Estudio del Dolor) dice: “El dolor es una experiencia sensorial y emocional desagradable asociada a una lesión real o potencial o descrita en los términos de dicha lesión”, es realmente perfecta al recoger los diferentes componentes del dolor e identificar, por tanto, los diferentes tipos de dolor.

La nueva versión de la definición del dolor de 2020 se ha elaborado por un grupo de trabajo de expertos, contando con la exposición pública de la misma y abierta a comentarios y alegaciones. Y dice: “El dolor es una experiencia sensorial y emocional desagradable asociada o similar a la asociada a una lesión tisular real o potencial”
Lo realmente interesante de esta definición no está en la propia definición, sino en las discusiones y comentarios de trabajo realizadas por los miembros del grupo, que reflejan las diferentes visiones y relevancia de los diferentes compontes del dolor, donde los aspectos psicológicos han sido tenidos en cuenta de una manera sutil, que se ha querido reflejar en el término “similar a la asociada a una lesión” . Aunque no exista lesión objetiva se valida el dolor como algo real.
¿Cómo lo manifestemos, lo sintamos, lo padezcamos, lo expresemos, lo definamos? Serán las preguntas a contestar en los próximos años. El dolor está ahí y como decía un slogan radiofónico de hace muchos años… “Llegó para quedarse”.

Dr. José Luis Sánchez Mejía
Ortopedia y Traumatología

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Cantaban los poetas que uno de los descendientes de Tros, padre de Troya tuvo por hijo a Anquises. Este fue un joven tan agraciado que Venus lo encontró descansando en un prado y se enamoró de él. Aquella unión daría por fruto al infante Eneas. Como castigo, Júpiter descargó uno de sus rayos contra Anquises. Dejándolo ciego o cojo, según la versión del mito.
Por petición de Venus, el infante Eneas fue educado por el centauro Quirón. Antes de que el hijo de Anquises viviera con su padre, fue encomendado a las ninfas del monte Ida. Además de ser protegido por estos espíritus, Siendo todavía un niño, fue devuelto a su padre para que lo educase en la mítica Troya. Así pues, cuando alcanzó la edad adulta Eneas se convirtió en un héroe troyano.
Eneas combatió en la guerra de Troya, siendo salvado en ocasiones por los dioses. De acuerdo con el poema de Homero, Eneas estuvo a punto de morir a manos de Diomedes. Por fortuna, Venus rescató a su hijo y fue herida gravemente por el guerrero griego. Más adelante, cuando los helenos toman Troya, Neptuno salva de nueva cuenta a Eneas de la furia de Aquiles.
En sueños, a Eneas le fue revelado que sería el fundador de una gran nación en el Occidente. Siguiendo el poema de Virgilio, Eneas perdió a su mujer Creúsa mientras escapaban de la ciudad en llamas. Con esta mujer, hija de Príamo –último rey troyano, tuvo por hijo a Ascanio. Así pues durante el exilio, el espíritu de su mujer le reveló debía dirigirse a la región de Lacio para fundar una nación.
Después de muchos años, Eneas llegó a la región de Lacio. Una vez en la costa itálica, el héroe encontró que la región era gobernada por Latinus, rey de los latinos. Según los oráculos, Lavinia, hija del rey, debía casarse con un extranjero y fundar una gran nación.
Eneas desposa a Lavinia y su descendencia funda Alba Longa. El matrimonio con Lavinia dio por fruto a Silvio, siendo este el hermano de menor de Ascanio. Sería este último quien fundaría la mítica Alba Longa, pueblo antecesor de Roma. En este punto se justifica el mito de Eneas, pues Rea Silva es descendiente de Ascanio y esta daría a luz a los gemelos Rómulo y Remo. En suma, los fundadores de Roma fueron descendientes tanto de Eneas como de Marte. El destino divino de Roma estaba trazado desde tiempos antiquísimos.